The works I present on this site form part of my ongoing focus on the subject of still life. I choose to exhibit them online well aware of the limitations of electronic media, which cannot supplant the one-to-one experience before an actual work. Having said that, I hope that this site will bring the viewer closer to my intentions as a painter and in particular to the genre of still life painting.
I have painted still life works for more than twenty years. At first, inspired by the works of modern masters and later by the works of the Spanish and Dutch masters of the Golden Age. I set out to find my own voice within the limits of this traditional genre and through that process, perhaps learn not only about the history and the craft of painting but also to better see and understand the world around me. The selection of works I present here emerged from an honest attempt to depict reality, not only as I see it but also as it is shaped by imagination and memory.
I work with common everyday objects, fruit or food-stuff arranged or found in such a way as to become the impetus for the making of a picture. In some instances, the pictorial arrangements were triggered by formal concerns rather than subject matter; in these works, the subject becomes subordinate to an underlying structure or concept about space, color or form. On other occasions, my motivations are purely experiential and arose from chance encounters with the reality around me.
These works are somewhat more spontaneous in nature and focus on a more traditional empirical approach. In other works the starting point is memory, in these works I have tried to recapture fleeting sensations through the use of light, color, subject matter and context. This latter approach, though unintentional appears to convey more of a dream like narrative and is reminiscent of the work of the symbolists and surrealists painters, which made great impression in my early training.
What does remain constant in all of these works is my point of departure, and this is usually reality. Still life painting inevitably is the result of the close observation of reality, in particular the inanimate world that surrounds us. I often begin to work with the subject directly from observation and this is paramount. Reference material such as photographs or sketches may serve as pointers or reminders but ultimately lack the necessary elements as regards to light, color, form and most importantly, space. Given the perishable nature of many still life arrangements, in many instances the subject will not last to the completion of the work so I often find myself working from memory, inventing the middle and endgame.
This process ultimately makes the work a kind of reconstruction of reality, the result often being half empirical, part memory and imagination. This has brought me to the conclusion that what we call “Realism” or representation, are seldom solely about empirical fact, memory, time and transformation are by necessity incorporated into the process and play an important role in what is ultimately realized. One also comes to understand that beyond depiction this process can be a means for the material embodiment of ones identity and sensations and how these are translated into paint. When created in a state of high intensity and vision, this process allows for a reengagement with the world anew, bringing more clarity and a deeper understanding of how we see, feel, and think.
From another vantage point, I have often thought that Still Life painting may also be a subconscious attempt to try and salvage something from the unremitting passage of time, its entropy and decay. A way of bringing temporary permanence to that which is fleeting, while carefully recording through pictorial means not only the life affirming forces and beauty of a thing but also the forces that are at work in its very disintegration. This is perhaps a modern definition of the moral message delivered by the well-known genre of “Vanitas” painting, which I have studied and painted over the years. What is surprising to me over all these years, is that what at first appeared as a reductionist path, has instead become a path towards a larger personal understanding of the nature of painting.
Still Life work has become a personal method for study and reflection and a laboratory for the practice and experimentation of the craft of painting. Its study opens a wide spectrum of possibilities for the infinite selection, arrangement and manipulation of both the reality at hand and the formal pictorial elements of painting; color, line, tone, composition. In this respect it is for me, the most abstract form of realism one can practice, at once formal while at the same time firmly anchored to reality.
For these reasons, I believe still life work is by definition the quintessential modernist genre, free from narrative and linked to reality by way of form. Its apparent dualities bridge a conceptual gap that reconciles, traditional illusionistic space and flat modern abstract space. Historical evidence of this can be found in the legacy of cubist painters and their precursors, Cezanne’s tabletops (more than half of those works are still life paintings) and furthermore, in the works of the Italian painter, Giorgio Morandi, whose austere and elemental works made such a great impression in my formative years.
Still Life painting has come to symbolize in my experience the essence of what painting has always been: that which is still, visual and silent, an echo of our existence, the trace of our passing.
DECLARACIÓN
LLas obras que presento en estas páginas reflejan mi continuo enfoque sobre el tema de la Naturaleza Muerta. Quise exhibirlas en línea estando plenamente consciente de las limitaciones que presenta el mundo virtual, que es incapaz de reemplazar la experiencia de encontrarse ante un lienzo físicamente. Dicho esto, espero que este sitio electrónico le clarifique al espectador cuáles son mis intenciones como pintor y que a la vez lo aproxime al género de la Naturaleza Muerta.
He pintado en este género durante más de 20 años. Al principio, inspirado en las obras de los maestros modernos y posteriormente, en la obra de los maestros españoles y holandeses de la Edad de Oro. Me propuse encontrar mi propia voz dentro de las limitaciones que tiene este género tradicional y a través de este proceso aprender sobre la historia y el oficio de la pintura.
La selección de obras que aquí presento proviene de una sincera intención de reflejar la realidad, no sólo como la veo sino también como un reflejo de la imaginación y memoria. Trabajo con objetos cotidianos, con fruta y víveres que dispongo en arreglos. A veces encuentro estos objetos fortuitamente y, si consigo que atrapen mi atención, terminan siendo el ímpetu que me lleva a realizar un cuadro. En términos generales, mis obras se dividen en tres tratamientos.
En algunas instancias la disposición de los objetos obedece a preocupaciones formales y no son dictadas por los objetos en sí. En este caso, el tema está subordinado a una estructura o concepto subyacente que está relacionado con el espacio, el color o la forma. En otras ocasiones mi motivación para pintar es puramente experiencial y surge del encuentro fortuito con objetos de mi entorno inmediato. Estas obras suelen ser más espontáneas y el tratamiento del tema más empírico.
En otras obras, el tema surge de la memoria y trato de recapturar sensaciones que fueron pasajeras por medio de la luz, el color, el tema y el contexto. Aunque no es algo intencional de mi parte, esta forma de abordar el cuadro lo dota de una narrativa quimérica y evoca un aire de las obras de los simbolistas y surrealistas, que tanto me impresionaron en mis días de estudiante.
En cuanto a mi método de trabajo, lo que es una constante para mi es el punto de partida, normalmente, la realidad que me rodea. El género de la Naturaleza Muerta es, inevitablemente, el resultado de la observación minuciosa del mundo material, y en particular del mundo inanimado que nos rodea. Casi siempre comienzo a trabajar directamente al natural, esto es imprescindible. Aunque mas adelante pueda utilizar bocetos o fotos como referencia, estos nunca sirven del todo, ya que siempre tienen su limite y lenguaje pictórico respecto a la luz, el color y el espacio. Debido a estas restricciones y a la naturaleza perecedera de buena parte de los arreglos temáticos, en muchas ocasiones me veo obligado a trabajar desde el recuerdo, inventando gran parte de lo central y final del proceso.
Esto convierte la obra en una especie de reconstrucción de la realidad, de manera que el resultado es en parte empírico y en parte proveniente de la memoria y de la imaginación. Este proceso me ha llevado a la conclusión de que lo que llamamos “realismo” no significa únicamente un hecho empírico; la memoria, el tiempo y la transformación se incorporan al proceso y tienen un papel importante en el resultado final. Uno termina por comprender que pintar no sólo significa representar o interpretar sino que también es la materialización de la identidad y sensaciones propias y cómo estas se trasforman y se plasman a través de algo plástico, como es la pintura. Cuando el acto de pintar se realiza en un estado de alta intensidad y visión, este proceso nos permite renovar nuestra relación con el mundo, aportándonos más claridad y una comprensión más profunda respecto a cómo vemos, cómo sentimos y pensamos.
Desde otra perspectiva, muchas veces he pensado que para el pintor de Naturaleza Muerta este género representa un intento inconsciente por salvaguardar algo vivo del paso implacable del tiempo, su entropía y deterioro. El pintor trata de plasmar no solo aquellas cualidades que reflejan el potencial de vida y belleza de un objeto, si no que también plasma al mismo tiempo las fuerzas que inevitablemente llevaran al objeto a su desintegración, otorgándole permanencia temporal a algo transitorio. Esta quizá sea la definición moderna del mensaje moral que nos deja el género de las “Vanidades”, el cual he estudiado y pintado a través de los años.
El haber escogido el género de la Naturaleza Muerta como medio de expresión en un principio me pareció una senda reduccionista pero para mi asombro, con el tiempo este género se ha convertido en un método de estudio y reflección, un abanico infinito de posibilidades respecto a la selección, ordenamiento y manipulación de la realidad y de los elementos pictóricos y formales de la pintura: color, línea, tono, y composición. En este sentido, la Naturaleza Muerta es para mí la forma más abstracta de realismo que se puede practicar, ya que es formal y al mismo tiempo se encuentra firmemente anclada en la realidad. En mi opinión, este género concilia una brecha conceptual entre el espacio ilusionista tradicional y el espacio moderno del plano abstracto.
La evidencia histórica de esto está presente en el legado que nos dejan los pintores cubistas y sus precursores, como los Bodegones de Cézanne (más de la mitad de estas obras son Naturalezas Muertas) y posteriormente en la obra del pintor italiano Giorgio Morandi, cuyas pinturas austeras y elementales me impresionaron sobremanera en mis años formativos. Por estas razones, para mí el género de la Naturaleza Muerta es el género modernista por excelencia, ya que a un tiempo está desprovisto de una narrativa y la ves anclado en la realidad a través del formalismo pictórico. Para mí, se ha convertido en la esencia de lo que la pintura siempre ha sido: aquello que permanece quieto, visual y silencioso, un eco de nuestra existencia, la huella de nuestro paso.
“Che tanta manifattura gli era a fare un quadro buono di foiri, come di figure”
“It is difficult to make a good still life painting of flowers, as one of figures”
Caravaggio
Michelangelo Merisi da Caravaggio
Basket of Fruit
Oil on Canvas
Pinacoteca Ambrosiana,
Milan, Italy
1599
Edgar Soberón
San Miguel de Allende, Mexico. 2016